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“Mitridate, rè di Ponto” en el Centro Cultural 25 de Mayo : Familia disfuncional
La Ópera de Cámara del Teatro Colón cerró su temporada 2019 con el estreno latinoamericano de una ópera de juventud de Mozart, en una versión pulida e interesante. Por Ernesto Castagnino
 

MITRIDATE, RÈ DI PONTO, ópera de Wolfgang Amadeus Mozart. Estreno latinoamericano. Función del viernes 6 de diciembre de 2019 en el Centro Cultural 25 de Mayo, organizada por Ópera de Cámara del Teatro Colón. Dirección musical: Ulises Maino. Dirección de escena: Julián Ignacio Garcés. Escenografía: Diego Cirulli. Vestuario: Mariana Seropian. Iluminación: Verónica Alcoba. Elenco: Santiago Martínez (Mitridate), Constanza Díaz Falú (Aspasia), Florencia Burgardt (Sifare), Martín Oro (Farnace), María Virginia Savastano (Arbate). Orquesta.

Inexplicablemente, Marcelo Lombardero ha dejado de coordinar la Ópera de Cámara del Teatro Colón. En la presentación de la temporada 2020 su nombre no figura en el organigrama de la coordinación de Producción Artística junto a los de Martín Bauer al frente de Colón Contemporáneo y Miguel Galperín al frente del CETC. Las direcciones General y Artística del Teatro Colón se han dado el lujo de prescindir del talento y la experiencia del internacionalmente reconocido director escénico, además de haber virtualmente terminado el Ciclo de Ópera de Cámara al fusionarlo con la programación del CETC. Entrevistado por algunos medios periodísticos, Marcelo Lombardero, ha explicado que, tras haber presentado en abril el proyecto para la próxima temporada, no recibió comunicación alguna ni fue convocado por la Dirección del Teatro en el transcurso de todo este año.

En las cuatro temporadas programadas por Lombardero desde la vuelta del ciclo en 2016, el público pudo disfrutar de obras de un valor extraordinario —muchas en calidad de estreno argentino— como Das Wundertheater de Hans Werner Henze, The Tempest Songbook de Kaija Saariaho, El enfermo imaginario de Marc-Antoine Charpentier, La grotta di Trofonio de Antonio Salieri, Piedade de João Guilherme Ripper, Il trionfo dell’onore de Alessandro Scarlatti, Powder her face de Thomas Adès, El principito de Rachel Portman, además de lo que parecía ser la intención de exhumar las óperas de juventud de Wolfgang Amadeus Mozart nunca escenificadas en nuestro país, que comenzó con Apolo et Hyacinthus en 2017 y siguió este año con la obra que nos ocupa, Mitridate, rè de Ponto.

En diciembre de 1769, el adolescente Wolfgang Amadeus Mozart había partido, junto a su padre, a Italia con el fin de recorrer las principales ciudades italianas brindando conciertos. Casi un año más tarde y sobre el fin de la travesía, el conde Firmian encargó en Milán al joven de 14 años una ópera para ser estrenada en el Teatro Ducal de esa ciudad, recayendo la elección del tema en un libreto basado en la tragedia de Jean-Baptiste Racine sobre el rey póntico Mitrídates. El libreto de Vittorio Amadeo Cigna-Santi —utilizado unos años antes por otro compositor— aborda un escabroso cuadrángulo amoroso entre el rey, sus dos hijos y la prometida del primero. Las traiciones amorosas y políticas de los hijos tienen como respuesta una condena a muerte por veneno, culminando con el arrepentimiento de los culpables y el perdón del soberano, antes de morir. La ópera fue estrenada con éxito el 26 de diciembre de 1770 y recibió unas veinte representaciones.

Julián Ignacio Garcés realizó un trabajo de dramaturgia que incluyó reducción de personajes y arias, adecuación del género de dos personajes varones al de sus intérpretes mujeres y la transformación del lieto fine en un final trágico. De los siete personajes originales solo quedaron cinco, eliminando a Ismene, prometida de Farnace (una de cuyas arias, “So quanto a te dispiace”, se reasignó a Arbate) y Marzio, un tribuno romano. Las tesituras originales corresponden a dos sopranos (Aspasia e Ismene), tres castrati (Sifare, Farnace y Arbate) y dos tenores (Mitridate y Marzio). Desde su exhumación en 1970, los roles para castrato se reparten entre contratenores, mezzosopranos y sopranos, estas últimas travestidas. Garcés transformó a Sifare y a Arbate en mujeres, introduciendo el sesgo lésbico en la relación amorosa entre Sifare (ahora mujer) y Aspasia, por un lado y, por otro, convirtiendo a Arbate, inicialmente gobernador de Ninfea y confidente de Mitrídates, en la hermana de éste y por lo tanto tía de Sifare y Farnace. Esto se desprende de su primer recitativo “Vieni, nipote” (Ven, sobrina) dirigido a Sifare, que en el libreto original reza “Vieni, Signor”.

De las 22 arias solo quedaron 15 y el coro final fue sustituido por la repetición del aria di sortita de Mitrídates “Se di lauri il crine adorno”, ya que, al revés del planteo original en el que el rey muere, en esta producción Mitrídates envenena a sus dos hijos y a su prometida. Dentro de la cirugía mayor que Garcés realizó de un libreto particularmente estático en el plano dramático, no fueron estos los mejores aportes. Lo más interesante de su propuesta estuvo en la metáfora acerca del poder y la violencia, construida a partir de los materiales que dominaban el escenario: tierra, agua y piedra. Lo que parecía ser un bloque sólido se va desmoronando con los embates de los cuerpos, también el piso empieza a romperse al ser transitado y debajo de las baldosas surge un líquido oscuro con el que todos quedan salpicados. La sintética escenografía creada por Diego Cirulli aportó el elemento más creativo y sorprendente de la propuesta: el equilibrio neoclásico y las líneas rectas que dominan al comienzo se van rompiendo y quebrando hasta su completa destrucción. El meritorio diseño de iluminación ideado por Verónica Alcoba tuvo una función central en la creación de climas y contrastes.

Las cinco voces del elenco tuvieron sensibilidad mozartiana y dominaron las no pocas dificultades de la partitura con solvencia. El tenor Santiago Martínez cantó con elegancia el rol protagónico, haciendo frente a la incómoda tesitura y los saltos de octava que Mozart creó para la voz de Guglielmo d’Ettore, el intérprete original. Contanza Díaz Falú dominó un rol creado para otra figura mítica de aquella época, la soprano Antonia Bernasconi, quien, según consigna la historia, obligó al joven Wolfgang a reescribir varias veces algunas de sus arias. Además de un registro homogéneo, Díaz Falú aportó dramatismo tanto en “Nel grave tormento” como en “Pallid’ombre”, de los mejores momentos de la noche, junto al dúo “Se viver non degg’io” que cantó con Burgardt (Sifare).

El contratenor Martín Oro interpretó al hedonista Farnace con efectos vocales que subrayaban su carácter cruel, en tanto María Virginia Savastano realizó un trabajo excelente con sus dos arias (una, como se dijo, “robada” al personaje de Ismene) con pulcra línea vocal y dominio del agudo. El eslabón más débil fue quizás el Sifare de Florencia Burgardt, de timbre agradable, pero de a ratos insegura en el apoyo y el ataque de la nota. La soprano hizo justicia a la bella y patética aria “Già dagli occhi”, tan exigida en el registro grave y con el melancólico obbligato del corno, en esta oportunidad a cargo de Leonardo Melgarejo.

Ulises Maino fue responsable de una dirección precisa, pero pródiga en sutilezas y colores. Al frente de un ensamble muy disciplinado, el joven director mantuvo el interés con un pulso vivaz creando un arco dramático que podría haberse potenciado con un trabajo más profundo en algunos recitativos claves para la comprensión de la trama.

Si bien la operación del régisseur sobre el libreto generó un efecto ciertamente extraño al sustituir la contención neoclásica por un final shakespeariano, el resultado global fue atractivo y musicalmente equilibrado. Desde aquí hacemos votos para que la Ópera de Cámara vuelva a tener el lugar que merece en la programación del Teatro Colón.

Ernesto Castagnino
ecastagnino@tiempodemusica.com.ar
Diciembre 2019

Imágenes gentileza Teatro Colón / Fotografías de Máximo Parpagnoli
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Publicado el 19/12/2019
     
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